日本のマンガにおける、＜線＞というドラマは、手塚治虫から始まる。

　＜線＞というドラマは、線の分裂と拡張のドラマだ。

　江戸時代までに、日本の線は、世界的にも通用する＜大洋＞のような広大さを獲得していた。

　その広大な＜線＞の蓄積が、手塚治虫の登場によって、マンガに＜開かれ＞た。

　マンガの＜線＞は、ワク線から効果線までに分割され、マンガ家の個性としての＜線＞に、分

裂化していった。

　その過程は、従来の「ストーリーマンガ（手塚治虫）」対「劇画」の図式では、とうてい

捉えきれるものではない。「ストーリーマンガ」と「劇画」の対立でさえ、本当は、＜線＞と

いうドラマの壮大な現象の「一部」であったにすぎない。

　昔、「＜線＞の現象学」を書いてから、「後は＜線＞の表現史が必要だ」と考えた。その時

に気づいたのだが、たとえば、桑田次郎のマンガの＜線＞は何なのか。劇画とも違うし、手塚さ

んの線とも違うのではないか。

　あるいは、水木しげるの＜線＞は、何なのか。劇画とも違うし、手塚さんの線とも違うのでは

ないか。

　あるいは、「絵物語」とは、何だったのか。どう位置づければいいのか、自分ではよくわから

なかった。

　この問題は、結局、当時は、線の＜二重性＞の表出の度合いが、それぞれ違うのだと考えるこ

とで切り抜けたと思う。

　　　　　　　　　　○

　本当に起こっていたのは、劇画とストーリーマンガの「対立」ではなく、＜線＞の拡張と

分裂というドラマだったのだ。

　みんながみんな、手塚治虫調の＜線＞が描けたわけではない。もともと、手塚治虫の＜線＞は

ディズニーアニメの影響を受けている、当時としては、画期的な「動く＜線＞」だったから、そ

うそう真似できるはずもなかった。

　みんな、それぞれに自分なりの＜線＞を、努力して、作っていった。

　手塚治虫調の「丸い線」でも、それぞれに個性が作られていった。

　また、独特の「固い線」で「劇画」が作られた。

　さいとうたかをは、アメリカのコミックの線との融合を目指した。

　桑田二郎は、デザイン画の＜線＞との融合を目指していた。

　水木しげるは、＜線＞と＜面＞と＜点＞とを使った緻密な恐怖表現を作りだした。

　「絵物語」は、マンガの＜線＞の役割分化をしないために、マンガのような緻密な表現ができ

なかったために衰退していったが、マンガにおいては、＜線＞本来が持つ、ワク線も効果線も、

すべて画像の＜線＞の中に内包している＜線＞の魅力が、決定的に失われてしまった。

　人は、マンガの＜何を＞読むのか？

　ストーリー（意味）を読むだけなのか？

　いや、マンガの＜線＞を読む、ということもしているはずなのだ。

　　　　　　　　○

　日本のマンガは世界でも類を見ないくらいに発展したわけだが、それは同時に、＜線＞が内包

していた魅力を、役割分担化して、多彩な表現を可能にしたためであり、同時に、＜線＞自体の

魅力は、衰退してしまうことになった。

　僕は、フランスのマンガ家・メビウスの描いた『アンカル』を見た。

　ワク線も、効果線も、ほとんど発達していないマンガであったが、その反対に、＜線＞自体が

持つ魅力が、鮮明に保存されていて驚いた。ストーリーが詳しくわからなくても、マンガの＜

線＞を読むこと自体に引きつけられた。

　こんな体験をしたのは、現代の日本のマンガ家では、高野文子の＜線＞くらいだ。日本では、

依然として、意味としてマンガを読む読み方が、主流になりつつあると言っていいと思う。

　（この項、了）